Realmente hay mucho detrás de la palabra Olot, no sólo un pequeño pueblo de la provincia de Gerona con una población de unos 33.000 habitantes, sino en el lenguaje de la imaginería, todo un mundo real condensado en el nombre de unos talleres de arte religioso que llenaron toda España de pinturas en serie, sobre todo de yeso, especialmente en los años 40 y 50.
La industria de los santos en Olot es el resultado de varias circunstancias. Alrededor de 1850, había una actividad textil muy importante en Olot (algodoneros, tejedores, etc.), derivada de la industria india. Por lo tanto, ya existía una base artesanal desarrollada.
Para apoyar esta industria, se creó una escuela pública de dibujo (promovida por el obispo Lorenzana en 1783) para enseñar a los jóvenes indios las artes gráficas. Posteriormente, durante muchos años, el director de esta escuela fue el artista Joan Carles Panyó, que ejerció una gran influencia sobre muchos alumnos.
Por otro lado, a finales del siglo XIX se produce un periodo de renovación religiosa, ya iniciado por Balmes, que hace que la iconografía esté muy arraigada en la cultura occidental en general y en la catalana en particular. Los hermanos Vayreda y el abuelo de Berga tomaron esta herencia y la convirtieron en una nueva industria: las pinturas religiosas.
Los hermanos Joaquim y Marià Vayreda y Vila, que visitaron París por su actividad artística, asimilaron allí un tipo de iconografía conocida como “El arte de San Sulpicio”, ya que fue desarrollada por muchos artistas que vivían en el barrio parisino que lleva el nombre del santo. Joaquim Vayreda, junto con el pintor J. Berga y Boix, llevó a cabo un experimento técnico para involucrar a los estudiantes avanzados de la Escuela de Dibujo de Olot y darles la oportunidad de desarrollar sus habilidades artísticas profesionalmente.
De esta colaboración mutua surgió el primer negocio de pintura religiosa, que rápidamente arraigó en la ciudad y es hoy uno de los oficios más peculiares y conocidos. En 1880 la empresa se llamaba “Vayreda, Berga y Cia”, que dos años después pasó a llamarse “EL ARTE CRISTIANO”. Por los talleres de esta empresa han pasado numerosos artistas, entre ellos escultores de renombre internacional (entre los escultores que han trabajado en estos talleres están Joaquín Claret, Miguel Oliveras, Juan Llangostera, Miguel Bay, Eusebio Arnau, los hermanos Juan y José Clará, Felipe Coscolla, Joaquín Ferrés, Narciso Salgueda, Leoncio Quera, Alberto Rosa y Fray José María de Vera) y han creado imágenes que han dado prestigio a la marca y se han exportado a muchos países de los cinco continentes. Los promotores del arte cristiano aprovecharon todas estas circunstancias y crearon una nueva y floreciente industria durante este periodo. Tanto es así que pronto encontramos otros ejemplos en la misma línea (hasta 20 talleres a principios del siglo XX).
Aunque las esculturas de los santos de Olot se encuentran sin duda entre las manifestaciones más impresionantes del arte sacro del siglo XX, nunca se han apreciado plenamente. Un factor importante en esta situación fue el tradicional desprecio de la élite cultural por las obras de arte producidas en serie. Este rechazo se basa en la concepción de la obra de arte como un objeto único e irrepetible, pero también se refuerza como una reacción de clase contra un tipo de objeto que goza de una fuerte aceptación popular. En consecuencia, como señala Jaume Fábrega, los santos de Olot fueron estigmatizados como “residuos artísticos y religiosos sin arte”.
Sin embargo, a pesar de la revalorización de este tipo de kitsch a partir de los años sesenta y, sobre todo, de los ochenta, las imágenes religiosas producidas en Olot tuvieron desde el principio una fuerte inspiración artística. Por lo tanto, los objetos creados, aunque producidos industrialmente en serie, tenían desde el principio un innegable valor estético.
El proceso de creación de estos santos no ha cambiado mucho desde sus orígenes hasta la actualidad. Comienza con el modelado de la figura original en arcilla, a partir de la cual se elabora un molde de escayola y una estructura de madera dividida en dos partes que encajan perfectamente, cubiertas en su interior por una capa de gelatina para que la masa de cartón y madera con la que se elabora la figura no se pegue al molde. A continuación, cada parte del molde se cubre con pasta, se sella y se deja secar. Cuando el molde se ha secado, se abre, se saca la figura y se retira la gelatina, se pulen las superficies, se añaden los detalles y las partes de la figura que no estaban en el molde y se colocan los ojos de cristal en sus órbitas, para lo cual es necesario serrar la parte superior de la cabeza, que se repondrá más tarde. Por último, se pinta la figura y se añaden los accesorios para representar al santo.
Esta falta de innovación en el proceso técnico de producción, así como la repetición constante de los mismos modelos a lo largo del tiempo, hace muy difícil situar una obra concreta, como la que nos ocupa, en el largo periodo de actividad de este taller de imágenes religiosas. Las variaciones en el aspecto final de las figuras tras la pintura son habituales, pero están relacionadas con la categoría del cuadro. Así, se pueden distinguir tres categorías, en función de que los ornamentos y las vestiduras del santo estén decorados con cenefas y dorados, que en este caso suelen estar pintados con brocados, pero que en los casos más lujosos pueden consistir en placas de oro. La ausencia de tales detalles en este conjunto escultórico nos enfrenta, pues, a una imagen inferior, pero no nos permite establecer la cronología.
TRADICIÓN
La industria de los santos, que hoy vemos como un anacronismo, fue por tanto innovadora en su época. Si nos fijamos en los moldes tradicionales que se utilizaban para fundir pinturas a mediados del siglo XIX y en los materiales que se utilizaban, podemos ver que la industria de los Santos de Olot, y en concreto “El Arte Cristiano”, fue innovadora al introducir un nuevo material y una nueva técnica de fundición, concretamente la pasta de madera de cartón, que supuso una mejora importante en la producción de pinturas porque supuso: tiempos de fundición más cortos, piezas más ligeras y mayor resistencia del material.
Así, aplicando principios elementales y aprovechando las circunstancias, nació una industria que sobrevive hasta nuestros días. Esta industria experimentaría un periodo de esplendor y prosperidad, con el resultado de que se desarrollarían experiencias similares en toda la tierra. Al mismo tiempo, como todas las industrias influyentes, desarrolló una serie de oficios a su alrededor. Destaca la tradición artística que muchos olotenses han continuado y que, merecidamente, es conocida en todas partes.
EL TRABAJO Y EL LENGUAJE VISUAL
La primera etapa de la creación de un cuadro es la creación de un modelo original. En el pasado, había una sala en el estudio exclusivamente para los escultores, que modelaban en arcilla o esculpían las formas que se les pedían.
Hoy en día, por lo general, sólo se realizan modificaciones en los modelos existentes. Así, a partir de cuadros antiguos se crean otros nuevos, cambiando sólo los atributos, los fragmentos o los colores. Además, el estudio cuenta con un servicio externo para la producción de nuevos modelos en talla de madera. El proceso de producción actual de las pinturas en serie producidas en el Taller de Arte Cristiano de Olot es el siguiente:
MODELADO
A partir del modelo original, se realiza un molde preliminar que servirá de base para la reproducción en serie. Estas formas se sostienen con un contra molde llamado charpa. Las charpas están hechos de pasta, arpillera y madera para servir de refuerzo. Normalmente se hacen 2 charpas y 2 moldes para cada obra, que son el negativo de la cara y la espalda de la obra.
MOLDEADO
Una vez se tiene el molde de gelatina, el siguiente paso es dar forma a la imagen en pasta de madera. Por lo tanto, se cubre el molde de gelatina con esta pasta sin llenarlo demasiado para evitar un peso excesivo. Después de que la primera capa se haya secado, se mezcla la segunda capa con arpillera y refuerza las imágenes grandes con cubos de madera. A continuación, se aplica la pasta alrededor de ambas partes del molde y se cierra el molde.
Cuando la pasta està lo suficientemente seca, se retira del molde de gelatina, y se obtendrá una imagen sin pulir, ya que las juntas entre las dos caras son visibles, y en muchos casos todavía se pueden colocar fragmentos que han sido moldeados por separado. Se utiliza la misma gelatina tanto para los moldes como para la imagen.
RETOQUE
La imagen de pasta de madera debe estar pulida y acabada. Esto se hace en la sala de retoque, donde los operarios afinan sus contornos y colocan los ojos y fragmentos de cristal necesarios.
Es en esta sala donde tiene lugar el trabajo más ingrato de todo el proceso, ya que la imagen se revisa diez veces y siempre habrá un error. Esta tarea no se ve cuando se hace, pero es muy importante. Para que te hagas una idea, la mitad de los empleados del taller “El Arte Cristiano” trabajan en este campo. Las herramientas utilizadas son principalmente: Papel de vidrio, gubias y pasta.
PINTADO
Tras pasar por la sala de retoque, el cuadro puede ser pintado. El proceso de decoración incluye muchas variaciones, dependiendo del tipo que se quiera conseguir.
El proceso de pintura se realiza a mano. Pero antes de que esto ocurra, todos los cuadros reciben una primera capa de aerografía, que impermeabiliza la figura y da más movilidad al pincel. Este proceso se llama “incorporación”.
Las pinturas utilizadas suelen ser de aceite (con aguarrás), pero también se utilizan pinturas plásticas para algunos colores o algunos modelos.
Después de explicar el proceso y la historia del taller de arte cristiano de Olot, siguen las etapas de la Semana Santa de Ávila, empezando por este taller:
Representa el momento en que Jesús entra triunfante en Jerusalén a lomos de una borriquita, entre los aplausos del pueblo que le recibe con palmas. Las cuatro figuras que componen el conjunto son: la figura principal de Jesús a lomos de la borriquita, un niño que ve caminar al Señor, una joven que extiende su manto a los pies de la borriquita y una mujer con un niño en brazos que aclama a Jesús con una palma.
EL MUSEO DE ARTE CRISTIANO EN OLOT
En un primitivo edificio neogótico del siglo XIX de gran valor histórico y arquitectónico, que originalmente sirvió como fábrica en la planta baja y como vivienda de los hermanos Vayreda Vila en los pisos superiores, se creó el Museo de los Santos de Olot con el objetivo de dar a conocer el negocio de la elaboración de imágenes religiosas.
El Museo de los Santos de Olot es un centro de patrimonio cultural que pretende dar a conocer la producción de imágenes religiosas en Olot. El museo pretende contribuir indirectamente al desarrollo de esta actividad y pretende convertirse en un punto de contacto e interacción entre los distintos grupos de la ciudad que desarrollan actividades en torno a la pintura religiosa u otros temas relacionados.
La visita al museo le permitirá estar “dentro” de un taller de trabajo, con salas dedicadas a la iconografía, la pintura y la decoración, la fundición, el retoque, las charpas, las formas originales y las líneas de producción.
También puede ver una colección de cuadros de santos y escenas de Pascua, belenes, etc.
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